如果你没有旅行，可以用观展填充假日空闲。从本周的展览中可以看到作品如何有效地与展览空间发生关系，并使空间产生新的语义关系。与此同时，作品本身也与空间构建出了新的外延。
“无调性”九人联展
展期：2016年10月2日-11月2日
地点：高更画廊
展览邀请了李帆、李洋、刘丽萍、邵亦杨、刘礼宾、米杰、高茜、苑鸣鑫、章燕紫9位带有不同社会属性的艺术家。他们的学习背景是多元化的，国画、油画、版画、壁画，还有邵亦杨和刘礼宾两位从事学术研究的教授；他们的创作背景也是丰富的，有在校任职老师，也有军旅艺术家，还有职业艺术家等。正是这种丰富多样的创作状态，让这个展览异常鲜活，呈现出了完全迥异的创作体验，这也是展览的学术主持傅怡静所提出的：在“无调性”看似混杂却有序的形态中，以开放自由的形式展示出一个实验性的美术视界，以艺术创作及形式的自由无调性，唱出一曲别样复调。“无调性”是一种现代音乐类型，它既突破了传统的有序调性，又以独特的手法保留了传统的创作理念，此次所呈现的正是这种类似于“无调性”的当代艺术创作状态。在一个近乎方形的空间之内，一转头，就能找到与之对应的视觉体验，用多角度的观看方式，可以捕捉到艺术家创作中带有实验性和精神性的意趣。比如，刘丽萍的《荷》与邵亦杨《荷》形成了题材上的呼应，米杰《表。像》和苑鸣鑫《果儿系列》分别用丙烯和水墨两种材料阐释当下的人物画，源自章燕紫2013年今日美术馆“止痛贴”个展的装置作品《彩虹》则用温情拥抱了这个小而丰满的空间。
海纳百川 壁立千仞
作为一种价值共同体的宋庄艺术精神溯源
展期：2016年9月30日-10月30日
地点：宋庄东区艺术中心
此次展览由宋庄艺术促进会主办，著名批评家、策展人吴鸿担任策展人，邀请目前生活、工作、创作在宋庄或曾在宋庄从事艺术创作的106位代表性艺术家参展，比较清晰的展示宋庄艺术区生态群体性特征及发展脉络。展览开幕式当日还举行了 “‘逃避的艺术’——作为一种自由主义想象与实践的宋庄艺术范本”学术研讨会，14位活跃于中国当代艺术评论届的批评家对宋庄艺术区历史沿革及精神性源头展开了讨论。宋庄艺术区从早期零星艺术家的入驻，发展到以小堡村为核心，周边散布在各个村庄中的各种艺术家聚居地，林则徐的这句话倒是可以用来分别对应宋庄艺术区的形成历史，以及艺术区里的艺术家的群体特征。自中国第一批所谓“职业艺术家”的早年开拓者们自发的聚集于宋庄，以及在随后不同历史时期中的一批批追随者们，到今天宋庄艺术区已形成了一个规模庞大的创作群体。在此过程中有不断有新的加入者，也有人陆续离开，不论是出于艺术市场的关注度还是以商业为目的的建立工作室，但是，开放、包容、理解，一直是它发展至今的主线索。从早年的自发性聚集到现在晓喻全国艺术区范本，宋庄艺术家群体们主动放弃体制化的职业、身份和收入，完全依靠个体化的创作方式，不仅支撑、丰富了自己的艺术创作生涯，同时，还通过他们不同时期的创作，在为中国当代艺术取得世界性声誉贡献的同时影响并改变着中国社会的文化面貌。这也构成了我们通常所说的“宋庄艺术家”的主体性精神特征——坚持、坚忍和坚韧。在全国性文化产业热的背景下，各种“艺术区”快速扩散，对宋庄范本的学习和模仿，也只看到现有的规模和生态。如果追溯其的精神源头，宋庄不仅仅是代表着一个特定的地域概念，更多的是象征着一种同道者之间能够平等交流，并且能够自由地表达自己的艺术观念的艺术精神。本次展览的精神线索围绕艺术语言的独创性、艺术精神的独立性及当代艺术家创作群体性特征三个方面展开，对宋庄艺术生态、精神源头进行梳理、分析，呈现出其原有的面貌。
泛声考
展期：2016年9月29日-10月30日
地点：中央美术学院美术馆2C展厅
正如展览题目所示，这是一个与声音有关的展览。中央美术学院美术馆“项目空间·青年策展实验室”2016-2017年度项目强调的是主题性与实验性，是回应新的艺术环境和青年策展人状况的全新举措，也是“项目空间”核心理念的延续与拓展，这也让这个空间有了更加特别的展览呈现。2010年，艺术家苏珊·菲利普斯（Susan Philips）赢得了在当代艺术中举足轻重的特纳奖。似乎意味着声音艺术的热潮到来。本次展览的策展人巢佳幸认为，如今，一波波以“声音”为名的“热”依旧无法替代对其的“冷”思考，我们不仅无法忽视声音艺术本身的内在困境，甚至更要在未来想像的版图之上勾画“后声音艺术”的魅像。有四位（组）有着海外生活经历的艺术家参加了展览，包括陈熹&Kyle Skor、常羽辰、童义欣，他们用声音的不同表现形式，甚至包括“无声胜有声”，来阐释艺术与社会的关系。比如，陈熹&Kyle Skor的作品《a voice-over of the dirt》，由预先录制的声音，在北京大霾下的演员即兴表演组合成（2015），M既是霾的拼音首字母，也是美国黑色电影《M就是凶手》的代称，作品中有一种声音是中式英语，在谈社会细节和艺术，谈的时候力求栩栩如生，而背后有一种声音隐现，仿佛就是M在某个地方发声。巢佳幸认为，视觉艺术始终于当代艺术中一统天下，但声音与聆听总已经以各种或明或隐的方式介入、至深入到视觉思维的血脉之中。进而，越来越多的艺术家们开始主动地将声音作为一种重要的构成要素、将聆听作为一种本质性的创作维度，所有这些都在潜移默化地改写着当代艺术的整体面貌。“泛声考”是一次充满实验意味的召唤，搜寻及揭示艺术家相关的创作行动。更将艺术的视界投向世界的广阔范域，在真实的运动之中探寻视与听、主体与客体、乃至万物相关的普遍网络。
喻红：游园惊梦
展期：2016年9月29日-10月30日
地点：中央美术学院美术馆三层展厅
此次展览距离喻红第一次在中央美术学院美术馆参加群展已经相隔26年，重新回到学校做展览，更像面临一场考试。此时，喻红的艺术创作进入更加熟稔的阶段。上世纪90年代初，当政治波普和玩世现实主义大行其道时，喻红在创作上反而而更关注周遭年轻人的生活和内心体验，她描绘了一批在单色背景下，形态各异的年轻人形象，被称为“新生代艺术家”；到1999年开始创作“目击成长”系列，喻红将自画像式的系列油画与现成的史实图像组合放置——她从一个初探者的阶段转入与时代共振的阶段；到了创作形式感强烈的史诗性“金色”系列（2008-2011）的阶段，画面结构更进一步地体现出艺术家对中国传统绘画、敦煌、克孜尔千佛洞壁画以及西方传统绘画的持续性钻研，所勾连的时间和空间更加广大和深远；到“喻红：忧云”（2013，长征空间），她从对个体形象的关注，转向更加内在的，对人情感和处境的关心；“喻红：平行世界”（2015，苏州博物馆）里，喻红则将现实及人物带入到超越时空的领域中，由此，喻红在一步步拓阔艺术创作范畴的同时，苦心孤诣于以艺术创作的方式来观察作为本质的人群和个体。“中央美术学院造型艺术年度提名·2016——喻红：游园惊梦”展出艺术家近两年创作的19件架上绘画作品，及远赴捷克创作的3件玻璃雕塑作品。此次展览延续“喻红：平行世界”（苏州博物馆，2015）中以多重维度观看和理解世界的方式，她以精湛的写实画风并置、拼贴相异时空的场景和人物——横跨了古代与现代、西方与东方、梦境与真实。从“平行世界”到“游园惊梦”，跨越了时间和空间的阻隔，喻红构建了一个自己的“剧场”。这个“剧场”既可以作为真实空间出现，也可以成为一种精神所指，“游园惊梦”所呈现出来的世界是喻红对更广阔的领域和更深入的人性的探究。绘画中对个体的描绘异常真实、直接，甚至裸身出现，艺术家在创作中摒弃了用衣着符号勾连时代的做法，反而剥离掉人的个体差异性，以便能触及到更深入的人性探讨，同时将其映照在反复盘旋于她脑海的历史文化背景，如此次展览作品中将出现的叙事性元素——中国文化典故——盲人摸象、刻舟求剑、猴子捞月及百子图。在新作中，画面的主角也发生了变化，比如作品《快照》首次将动物作为主要的描绘对象，并且颇具人的形态和气质——摆拍或拍照，喻红把人的形象剥离地更远，却与她所创造的“游园惊梦”更加贴近。
2016中国艺术品产业博览会
展期：2016年9月29日-10月5日
地点：通州区宋庄文化创意产业集聚区
9月29日，2016中国艺术品产业博览会在通州开幕，此次艺博会以“艺术品让生活更美好”为主题展览将持续至10月5日。本次艺博会的主会场位于通州区宋庄文化创意产业集聚区，设置核心交易区和多个特色馆。据主办方介绍，2016艺博会的最大亮点就是首次扩容，形成一个主会场、五个分会场、100个艺术家工作室的格局。主会场包括核心交易区和多个特色馆。其中核心交易区包括三个组成部分：主馆、北京城市副中心特展区和淘宝街。主馆设为“大国工匠”展示区、原创艺术品展示区、艺术衍生品展示区、“京津冀”特展区等七个区域。在“大国工匠”展区，笔者看到，该展区主要以“工匠精神+中国创造”为主旨，展示花丝镶嵌、玉雕、景泰蓝、缂丝等能集中反映工匠精神的艺术精品。主会场之外，在宋庄文化创意产业集聚区外的金福艺农匠人坊、佳合产业基地、中国书画100名家艺术中心和天津、河北等地设立五个分会场，邀请其在艺博会期间举办特色活动，落实京津冀一体化协同发展战略。
朴琪元个展：“不可视面”
展期：2016年9月28日-2017年2月5日
地点：北京常青画廊
此次艺术家朴琪元的定点装置作品《厚度》也是为空间独家打造设计的。他尝试对展览空间的表面进行配置——探索它的物理维度和置身于其中的观感状态，同时将空间简化到最核心的特质。此件作品占满了画廊的整个主要空间——从一楼一直到三楼，从墙面到地面，都被瓦楞纸板覆盖。艺术家认为“厚度”是代表一个空间的最基本状态的元素之一。他试着将其显现，并使它能够将展厅的固有状态变得可见。通过在墙和地面上覆盖纸板，他清空（而非覆盖）空间，以此来强调空无的美，也揭示一个空间最深刻的本质。画廊的二楼及三楼展出了朴琪元的绘画系列作品宽度。自从2005年，他就开始实现这一系列在平面上呈现空间性及虚无概念的作品。他将韩国传统纸的表面分割，以表示一个空间中所显现的多种元素。每一个画面都被分割并填满了数不胜数的延伸向各个方向且重叠的单色线条。朴琪元认为在这一系列作品中，每幅画都与其他画相互呼应、相互完善，以此成为一个背景，创造着它们与展厅和观众之间的平衡。对他来说，这些作品是“对于平面上的特定空间性的表达。装置作品厚度和这些绘画在这个关于‘面’的主题上是联系在一起的。”正如艺术家而言，“我的灵感总是源于空间。我创作的主要目的便是使一个空间呈现它原本的样子；其次，便是清洁并使该空间的能量流动；最后，我试着让观众们放松下来，仿佛他们是在草地上睡着了一样。我通过协调艺术作品、空间及观众之间的平衡，来引领观众自然而然地到达真实与虚幻之间的边界。”
城市标本
张闯油画作品展
展期：2016年9月28日-10月10日
地点：今日美术馆3号馆2层
展览全面展现了艺术家个人的艺术探索：都市少年系列和意象风景系列油画作品。张闯的社会实践和文化情怀让他的作品与一味追求唯美效果的古典主义者不同，更具有当代性和时代性，能激发各界观众的思索和探讨。上世纪90年代，生长和学习在北方的张闯南下深圳，以“外来者”的目光审视观察这里的人文风情。街舞、滑板、时尚，没有哪个城市在对“新”的追求上比深圳更放松，没有历史的包袱，深圳年轻人的活力吸引着张闯的目光。在2003年以后的创作中，这些新潮而生动的场景走进他的创作，成为他绘画的主题。也正是这一批反映城市题材的作品，成为今天展览《城市标本》的主体。艺术家敏锐的观察着时代的变化，通过作品表达思想和心灵，而张闯的艺术却又不是简单的对时代的记录。他用中国古代神话故事和传统元素与舞动的青年对话，用艺术的装饰性和绘画性与时间对话，用客体的真实性和主题性与城市对话。此次展览展出张闯都市少年和意象风景两个系列，充分展示张闯的艺术新貌和人文探索。
21×21，廿一客，廿一设计师
展期：2016年9月28日-10月6日
地点：751D·Park北京时尚设计广场“东区故事”
这是一个以蛋糕为主题，但是更多与设计有关的展览。21cake与21位不同领域的设计师——B6、More Tong、多相工作室、韩家英、何见平、贺晶、黑一烊、黄扬、刘天洋、卢涛、梅数植、山中一宏（日本）、上官喆、吐毛球平面设计、王序、王一扬、王志弘、于惋宁、张达、张永和、朱津京——一群在味觉建设方面完全的异类，尝试用21种方式，让一块新鲜的方形蛋糕，获得更多的可能。廿一客，只做新鲜的方形蛋糕，在这个方形的空间之上，设计师们展开了自己的创作。设计师韩家英的《山水汇》将山水汇聚于一方蛋糕，在方寸之间仿佛感受到自然对我们味蕾的赏赐；设计师贺晶创作了一个《有把手的蛋糕》，像吃冰棍一样拿起把手吃蛋糕，有着无限的意趣；导演、古物收藏者朱津京设计的《汉砖》更像是在吃一种时间的味道……如果只是21款蛋糕，是无法形成一个展览的，蛋糕虽然是展厅的主角，但是没有装置设计师的奇思妙想与巧夺天工，与蛋糕主题配合的主题装置为蛋糕披上了华丽的外衣，蛋糕像瑰宝一样盛放在装置之中，这也开辟了蛋糕展览形式的先河。
751国际设计节
展期：2016年9月28日-10月6日
主展场：751 D·PARK北京时尚设计广场
2016年北京国际设计周751国际设计节以“未来”为主题，关注未来的“智能设计”，“家和城市”，“科技与人”等，试图对未来产品、家、城市、环境以及文化等可能性进行多元价值探讨，并梳理设计在未来社会形态塑造中的角色和作用。本届设计节包含了主宾城市展览项目、国际亲子设计节、中国（北京）国际家居设计节、论坛、设计私房课、设计市集等包括60场展览、40场论坛以及20余场设计师活动，751国际设计节是本届北京国际设计周占地面积最大、内容最丰富、参展设计师最多的重要板块之一。设计论坛聚焦“东方人文美学”，邀请文化名人、学者与著名设计师，共同探究博大精深的东方文明精髓，寻求东方设计无限价值的根源，以此给予大众与年轻设计师更多的启迪，引导思考、传承与创新。作为751设计论坛系列中的精品小灶，2016年设计私房课的主题为“碰撞”，旨在更好推广传统工艺文化，并能与设计进行完美的碰撞，选取京扇子、竹编、皮影、手工书、木制作为切入点，以期从小众的交流与分享到传统手工艺的推广与实践。而首次进驻北京国际设计周的2016国际亲子设计节以“大小颠倒长幼互换”（GROW DOWN SHRINK UP）主题，以“孩子”为核心主题，以“爱与陪伴”为核心议题，以设计为语言渠道，以体验为沟通手段，促进产业融合的同时，为设计者和消费者搭建价值共建的桥梁，为孩子和家长提供三代沟通的氛围，为创意找到梦开始的地方。
“意匠集”
2016意匠TOP100文创大展
展期：2016年9月28日-10月2日
地点：三里屯橙色大厅
在越来越强调手工艺品质的今天，面临的问题并不是传统手艺流程的缺失，而是原有工艺模式的转变，传统需要呈现一种适应时代的新面貌。创意和传统手艺的结合，就是“意匠集”的艺术核心，从创意到产品是一个过程，中国文化创意产业所面临的问题，需要我们去思考和进行一些突破。太古里作为时尚潮流的风向标，更关注设计和创意的概念，并在较高的层面对意匠品牌做出了自己的判断，此次在三里屯橙色大厅的“意匠集”展览为期五天，集合了中国100位顶尖意匠，在展示其原创作品的同时，也旨在探索一条全新的“匠心拯救商业”道路。
“意匠集”组委会秉持着“让消费级商品不仅满足一时的使用需求，更成为审美生活的最重要组成部分，从升级消费到升级生活”的基本标准，最终从数以万计的手作匠人、独立设计师和创意人的原创产品中挑选出100个意匠品牌。展览的展品涵盖吃、穿、用、戴等生活的各个方面，吸引到了包括梵几、哲品、黑川雅之、素元、蔡澜花花世界、STUDIO 4℃、Fei Liu Jewellery、艺集、bi.du.haev等在内的100位顶尖意匠，倾心展出了他们最新、最富创意、最精心制作的产品。因而，这绝不仅是一次大规模意匠创意的展示，更是其对生活美学的诠释与实践。
唯一的思想者
罗丹雕塑原作展
展期：2016年9月27日-11月10日
地点：ART100北京画廊
这是一个仅有一件作品的展览，但是因为这件作品是罗丹的《思想者》，让这个展览显得尤其与众不同。这件由收藏家严陆根博士提供的展览，为法国政府和罗丹美术馆共同授权原版翻模铸造，并出具作品认证信息，该作品为第24/25版，重573kg。展览现场以年表和影像资料的形式呈现，追溯了罗丹的艺术生涯。罗丹作为美术史中最为重要的雕塑家之一，他继承了从哥特、古典到文艺复兴的传统思想，同时勇于反对同代的陈腐守旧，为二十世纪的现代主义艺术打下良好铺垫。他永远坚定的站在历史的拐角处，仿佛自己作品的浓缩形象，真实优美、亘古永恒。“思想者”原本是“地狱之门”横楣上的一个主雕坐像，是那巨大雕塑中最有代表性的一件。后来，罗丹又把它制成一件单独的雕塑，并且成为他最著名的代表作。罗丹用这一形象来象征伟大诗人——但丁，也象征他自己，象征全人类。一个具有高度智慧的巨人，痛苦地俯首坐在那里沉思，把右肘放在左膝上，手托着下巴和嘴唇，审视着下边发生的所有悲剧而陷入绝对的冥想之中。那压弯的肋骨和紧张的肌肉似乎要被智慧的火花迸裂开来，然而，除了沉思，只有内心的压抑和隐藏的痛苦。作品丰富的内涵充分体现了雕塑家思想的深沉、苦闷和丰富。
来源： scope艺术客
